alex_mclydy (alex_mclydy) wrote,
alex_mclydy
alex_mclydy

Category:

Погружение. XX век. Композиторы-академисты. 40-36



40 место
Sofia Gubaidulina




Статистика:
Страна: Россия.
Время жизни: 1931 - н.в.
Жанры: Modern Classical.

Почитать:
Биография - ссылка
Музыкальная фантазия - ссылка
Человек без толпы - ссылка
Музыка Губайдулиной – это даже не отдельная планета, а огромный космос... - ссылка
Гений из чёрного списка - ссылка
Хоровые сочинения Софии Губайдулиной в отечественных и зарубежных исследованиях - ссылка
"Две тропы": любовь земная и любовь небесная - ссылка

От МакЛыди:
София Губайдулина – один из самых крупных и глубоких композиторов второй половины ХХ века, классик мировой музыки. В её творчестве чувствуется стремление к органичному объединению свойств искусства Запада и Востока, воздействие представлений духовно-религиозного порядка. Через веру она приходит и к смыслу творчества. «Я религиозный православный человек и религию понимаю буквально, как religio – связь между жизнью и высотой идеальных установок и абсолютных ценностей, постоянное воссоздание legato жизни. Жизнь разрывает человека на части. Он должен восстанавливать свою целостность – это и есть религия. Помимо духовного восстановления нет никакой более серьёзной причины для сочинения музыки».

Сегодня Губайдулина – лауреат почти всех престижных музыкальных наград мира, в том числе аналога Нобелевской премии – шведской Королевской музыкальной премии. За рубежом её влияние намного больше, чем на родине, и может быть, это её миссия – принести русскую духовность на Запад? Ей особенно хорошо удается соединять Восток и Запад в музыке, ведь она своим происхождением несёт в себе два начала.

Христианская заряженность творчества Губайдулиной не оставляет лёгких путей ее слушателям. Восприятие библейского Слова, воплощаемого ею в звуках, требует усилий и напряжённого выстраивания собственных отношений со звуковым текстом. В сочинениях этой женщины всегда важен биографический фон, на котором выстраивается любое ее высказывание. Но едва ли не важнее то — поверх чего этот фон расположен и какой сюжет мировой культуры собою маркирует. Предметность её музыки не в подсказанности тем или иным библейским образом, а в честной, исповедальной структурированности личного — вечным, реально пережитого — метафизически обозначаемым, проговариваемого и наблюдаемого в себе — озвученным для нас. И, конечно, всегда важен уникальный, небывалый, единственный альянс тембров и неповторимость их использования. Правда себя как правда каждого — то мужественное и смелое, о чем всю свою жизнь отважно сообщает эта женщина-композитор, как воздух необходимая нашему времени с его сбиваемыми этическими настройками, коллективными провалами в хаос, внеоценочностью людских поступков и недоверием тому главному, ради чего каждый вправе любить этот мир. Звуковая вселенная Губайдулиной — это попытка сохранить/охранить смысл распадающегося на осколки Слова. Звуковой дар Губайдулиной — это музыка того, что формирует наш опыт, заставляет, слыша себя, верить и чувствовать жизнь частью той драгоценной человеческой природы, которая существует давным давно. Важно только с нею оставаться в ладу.

В мировосприятии Губайдулиной — философски и религиозно мыслящего человека — словно в многозвучном аккорде, сочетаются конфуцианская "Книга перемен" ("Ицзин"), даосизм Лao-цзы, католическая литургия, проповеди Мейстера Экхарта, философия Николая Кузанского, Гегеля, Ауробиндо, Кьеркегора, Гуссерля, Николая Бердяева, психология Юнга, культурология Алексея Лосева и Сергея Аверинцева. Духовная жизнь всех времён и народов составляет доминирующую тему творчества Софии Губайдулиной. При этом западная литургика освоена ею, как если бы это была часть духовной истории её собственной родины. Правда, композитор намеренно обращается к бестекстовой, обобщённой инструментальной сфере. Стилю Губайдулиной присуще одно глубинное свойство, прочно приобщающее её композиторское мышление к западному типу. Речь идёт о дихотомичности, парной контрастности, антиномичности, отличающих её произведения. Согласно распространённой точке зрения, западному сознанию свойствен дуализм, восточное же тяготеет к монизму. Проявляется западный дуализм, например, в центральном для искусства Западной Европы жанре драмы (конфликтности действия и контрдействия), осмысляемом в теории, начиная с Аристотеля, в религиозном противопоставлении Бога и человека, в философской дихотомии формы и материи, в парадоксальных антиномиях Канта, в лингвистических бинарных оппозициях. /из книги В. Холоповой/

~~~

Наконец в проекте первый музыкант из России. Губайдулина – одна из немногих классиков, кого я слушал ещё очень давно без упора на жанр произведения. То есть было в плейлистах много опер, концертов, симфоний, но все они принадлежали разным авторам, а вот Софию Асгатовну я слушал отдельно от всех. Тогда, лет десять назад, её творчество вызывало скорее страх, а не восхищение. По сравнению со всякоразными объектами масс-культуры, типа Земфиры или группы "Сплин", под музыку которых в нашей стране принято грустить, Губайдулина это совершенно иной уровень. Очень грустно и очень страшно, до ярко-позитивных вещей в общепринятом понимании я так и не добрался. Сейчас переслушал несколько сочинений для струнных и сборник Complete piano music. В общем, ощущения те же, но теперь появилось понимание, какой внутренний стержень, какой вкус и какое понимание сущего нужно для того, чтобы такое писать. Величайшая женщина в истории музыки.

Послушать:


39 место
Darius Milhaud




Статистика:
Страна: Франция.
Время жизни: 1892 - 1974.
Жанры: Modern Classical, Symphony, Opera, Chamber Music, Concerto.

Почитать:
Биография - ссылка
Классическая музыка - ссылка
Сюитность в оперных сочинениях Мийо - ссылка
Принципы сюитности в оркестровой музыке Мийо - ссылка
Дариус Мийо в СССР: к проблеме рецепции и межкультурной коммуникации - ссылка
Четвёртая камерная симфония Мийо: диалог с эпохой барокко - ссылка
Скандальный гений - ссылка
Огненный замок - ссылка

От МакЛыди:
Музыка Мийо не объективна, а духовна. Она объединяет все и всех на основе человеческих чувств. Благодаря ей все предметы, растения, животные, сами люди, взятые как индивидуумы, становятся свидетелями драмы Человека, драмы вечной и неизменной. Такова не только одна из его пластических поэм, известная под названием "Человек и его желание"; так могло бы называться все его творчество, рассказывающее о страдании человека перед лицом невозможности счастья, о его тоске по недостижимому совершенству и о его стремлении к духовному началу, в котором все находит свое решение и все делается простым.

Действительно, на оперы Мийо оказали влияние самые разные жанры, в их ряду и оратория (персонажи имеют обобщенную характеристику, большая роль хора), и месса (выражение возвышенных идей, хоральный тип мелоса и др.), и сюита (чётко и ясно расчленённая композиция, с концентрацией каждой сцены на одном настроении). Влияние последней очевидно благодаря своеобразной мозаичности в построении целого: Д.Мийо последовательно стремится отделить музыкальные номера друг от друга, сегментируя партитуру на небольшие относительно законченные фрагменты. Г.Калошина отмечает, что в ХХ веке, в частности в оперных произведениях Д.Мийо, «…основополагающим становится принцип монтажа жанров и видов искусств, их свободное, поочерёдное горизонтальное ”включение“ в драматургию произведения или подвижное вертикальное наложение».

Существенное влияние на оркестровую и камерно-инструментальную музыку Мийо оказывал принцип жанрового синтеза. В результате этого композитор отходит от классических форм и создает новаторские по их жанровой сути произведения. В этих опытах с синтезом разных жанровых моделей особую роль играет сюитность, которая мыслится композитором как стержень, основа формообразования его инструментальных сочинений. Это качество подчёркивает и Л.Кокорева, отмечая, что в его инструментальной музыке «...господствует принцип чередования замкнутых обособленных частей, контраст которых вытекает из контраста движений». Как известно, природным свойством сюитной композиции является камерность, выраженная в небольших масштабах частей, в малом составе оркестра. В творчестве Мийо камерность, понимаемая как важнейший принцип мышления композитора, чрезвычайно важна. В силу этого под камерностью мы понимаем не только малые масштабы и скромный инструментальный состав, понятие это включает в себя и определенный тип содержания, равно как и возможность «рассмотреть» слухом все детали и тонкие нюансы в развитии тем и образов сочинений.

«Когда говорят о новаторстве, революционности какого-либо музыканта, можно с уверенностью утверждать, что новые ценные элементы, введённые им в музыкальный обиход, опираются на прочную традицию, логическую связь с которой обычно трудно бывает обнаружить. Подчас приходится уходить вглубь истории, чтобы отыскать истоки какого-либо средства выразительности, захватывающего своим совершенством». Как ни парадоксально, но эти слова принадлежат Дариусу Мийо, французскому композитору двадцатого столетия, чьи сочинения отмечены стремлением к изобретательности, оригинальности, яркости музыкального высказывания. «Дариус был великим новатором. – вспоминала Жермена Тайфер. – Можно сказать, что именно он дал толчок современной французской музыке. Всё шло от него, от его первых композиций». Несмотря на подобные оценки современников, Д.Мийо с почтением относился к музыкальным традициям своих предшественников и неоднократно подчёркивал связь своей музыки с музыкой прошлого: «Я чувствую себя наследником линии Куперена, Рамо, Берлиоза, Бизе, Шабрие». Это высказывание прекрасно характеризует его уважение к традиции, которую он считал основой всякого современного искусства. Важным источником вдохновения для Д. Мийо было искусство эпохи барокко, и в особенности творчество И.С.Баха. Подобно немецкому гению, Дариус считал важным и необходимым сочетать в своём творчестве как уважение к традиции, так и желание сказать «новое слово».

Стравинского называли «человеком тысячи стилей». То же самое можно было бы сказать о Мийо. От клоунады в некоторых балетах до трагедийной трилогии «Орестея» – таков диапазон его творчества.

~~~

Послушал сборник сочинений камерной музыки, а также несколько сонат и сюит. Почти всё понравилось. Буду слушать ещё, это точно. Я чувствую в этой музыке Францию. Больше 400 произведений написал Мийо – уму непостижимо. Я его имя встречал в специализированной литературе больше в контексте "человека, повлиявшего на...", а тут начал изучать – и вот тебе куча жанров, вот тебе хорошие характеристики как человека, вот тебе мировое признание как автора. И даже книга на русском языке имеется. Утащил её себе, может в будущем доберусь и до неё.

Послушать:


38 место
Giacinto Scelsi




Статистика:
Страна: Италия.
Время жизни: 1905 - 1988.
Жанры: Modern Classical, Tape Music.

Почитать:
Биография - ссылка
Музыкальные сезоны - ссылка
Очерк жизни и творчества - ссылка
О сходстве несходного - ссылка
"Симфония одного звука" в контексте развития музыкального искусства XX века - ссылка
Композиция звуковых масс - ссылка
Феномен затворничества в жизни Джачинто Шелси - ссылка
Введение в классическую механику - ссылка
На подступах к алхимии звука - ссылка

От МакЛыди:
Переломный момент в жизненном и творческом пути композитора наступил в конце 1940-х гг. Непосредственным толчком стал разрыв с супругой, но, судя по последующему развитию событий, это была лишь «верхушка айсберга». В состоянии тяжелого нервного расстройства Шельси был помещён в закрытую клинику, где провёл год, но выздоровление растянулось на несколько лет. В это время композитор, по его словам «забыл все, что знал о музыке», начав творчество с чистого листа. Восстанавливая душевное равновесие, он самостоятельно пришел к интересному методу психотерапии: раз за разом извлекая на фортепиано один и тот же звук, он прислушивался к мельчайшим оттенкам звучания. Его музыкальные мысли приняли теперь принципиально иное направление – даже из собственных произведений, написанных ранее, он признавал теперь очень немногое. Шельси поселился в Риме рядом с форумом – он считал, что именно там проходит граница Востока и Запада. Он отошёл от господствующих направлений современной ему музыки – но не воспротивился им, а пошёл своим путем. То, что возникало теперь в его уме, Шельси считает первозданной музыкой в самой древней ее форме. Главным объектом творческих поисков композитора стал звук как таковой, в котором Шельси наряду с высотой и длительностью усматривал третье «измерение», которое, по его мнению, «существует, но избегает нас». В поисках этого загадочного измерения он сосредотачивал внимание на одной-двух нотах, расцвечивая их в тембровом и динамическом плане. Уходя в сферу микротональности, он отдавал предпочтение духовым, струнным и человеческому голосу.

Один из ранних исследователей творчества Шельси Робин Фримен предполагает, что композитору смолоду не было чуждо творчество Александра Блока, особенно его «футуристические» мысли об искусстве, высказанные в речи к к 84-летию со дня смерти Пушкина (1921): «На бездонных глубинах духа, где человек перестает быть человеком, на глубинах, недоступных для государства и общества, созданных цивилизацией, – катятся звуковые волны, подобные волнам эфира, объемлющим вселенную; там идут ритмические колебания, подобные, процессам, образующим горы, ветры, морские течения, растительный и животный мир». Задача поэта, по мнению Блока, – приобщиться к этому первобытному хаосу и извлечь из него гармонию, которая потом может быть передана другим людям: «чем больше поднято покровов, чем напряженнее приобщение к хаосу, чем труднее рождение звука, – тем более ясную форму стремится он принять, тем он протяжней и гармоничней, тем неотступней преследует он человеческий слух». Одной из причин психологического коллапса Шельси было ощущение несоответствия между языком кантаты и новым взглядом на музыку, который начал у него формироваться к концу сороковых. Форма кантаты, по сравнению с квартетом, более собранна, музыка богата контрастами, разнообразна по фактуре, открыто экспрессивна в кульминациях, композиционные решения свидетельствуют о возросшей изобретательности и техническом мастерстве автора. Но к моменту премьеры кантаты ее создатель, судя по всему, «перерос» не только современные ему течения, которые он досконально знал, но и – что намного существеннее – всю диалектику европейской музыки последних нескольких веков с ее противопоставлениями контрастных тем, темы и противосложения, темы и сопровождения, с ее непременным движением от начального импульса, через перипетии его, пользуясь подходящим к случаю термином Стравинского, «логического обсуждения» к логически оправданному итогу. «Логическое обсуждение» требует участия мысли, а Шельси был заинтересован в том, чтобы исключить мышление из творческого процесса: «Я слишком много мыслил. Но затем я перестал мыслить вообще. Вся моя музыка и моя поэзия были осуществлены без участия мышления». Ясно, что музыка Шельси, созданная до «Рождения Слова» включительно, – плод активной работы мысли; автохарактеристика Шельси относится, строго говоря, не ко всей его музыке, а только к его более позднему творчеству, где «мысль» (интеллектуальный расчет, профессиональные знания, соображения стиля и т.п.) вытесняется более первичной стихийностью – отголосками того
первобытного хаоса, о котором идет речь в приведенном выше отрывке из Блока.

С одной стороны, Шельси во многом предвосхитил характерные стилистические приёмы минимализма и создал, как может показаться, ярко индивидуальный вариант этого стиля, однако композитор не входит в перечень «титульных» минималистов и, в сущности, не может быть к ним отнесён. Несмотря на то, что принцип тотального ограничения средств выразительности в его творчестве привёл к выходу на первый план одиночных звучаний, на основе которых создаются и большие партитуры, и миниатюры, это лишь внешняя и обманчивая связь с эстетикой музыкального минимализма. Композиции на основе одного звука, определяющие характерный «зрелый» стиль Шельси, зачастую насыщены таким драматизмом, активностью, экспрессией и внутренней напряженностью, что определение его музыки как минималистской ничего не даёт для понимания сути его эстетики, особенно в сравнении с хрестоматийными сочинениями американских минималистов. Уникальный стиль «зрелых» сочинений Шельси, обладающий непередаваемой акустической характерностью и крайним минимализмом используемых средств выражения, пожалуй, не имеет аналогов в зарубежной академической музыке эпохи. Его отличает статика, микрохроматика, интерес к природе звука, опора на интуитивизм и мистицизм, использование эзотерических вербальных компонентов, сложных мистико-мифологических концепций, акустико-звуковых феноменов с почти утраченной культурной «памятью», подзаголовков метафизического плана. Всё это определяет индивидуальный звуковой облик его композиций и сложный стилевой синтез, вобравший в себя ведущие тенденции авангарда, - и, в то же время, независимый и ярко индивидуальный.

В «Четырёх пьесах», одном из главных своих сочинений, композитор создаёт довольно интересный по художественному содержанию цикл, воплотив в нём сформулированную авторскую идею синтеза статического и динамического элементов, извлечённых из одного звука. Однако главной заслугой Шельси следует считать то, что при столь ограниченном характере интонационных средств ему удалось «удержать» эмоцию, наполнить однозвучие глубиной экспрессии художественного высказывания, от оттенков спокойного ровного колыхания до сурового и даже грозного звучания (что сказалось в преобладании тембра меди).

~~~

Не стал слушать ничего из раннего Шельси, раз уж он сам так нелестно высказывался о своих первых сочинениях, а вот из "зрелого" этапа послушал несколько самых известных вещей. Право сказать, я очарован. Как любитель дрон-музыки, которая почти всегда основана на развитии звучания одной ноты, рано или поздно я бы добрался до человека, с которого всё началось. Удивительно, что всё это буйство оттенков завладело разумом Шельси аж в сороковых годах. Никогда бы не подумал, что прообраз дрона так далёк от наших дней. И это действительно не минимализм. Уж сколько я переслушал минималистов, не было ничего похожего на музыку Шельси. Лютый авангардизм, музыка для очень узкого круга людей.

Послушать:


37 место
William Walton




Статистика:
Страна: Англия.
Время жизни: 1902 - 1983.
Жанры: Modern Classical, Film Score, Western Classical Music, Oratorio, Orchestral.

Почитать:
Биография - ссылка
Большая российская энциклопедия - ссылка
Музыкальные сезоны - ссылка
Мастер на пороге 80-летия - ссылка
100 лет со дня рождения - ссылка

От МакЛыди:
Уильям Уолтон наряду с Бенджамином Бриттеном принадлежит к числу наиболее значительных английских композиторов ХХ столетия. Его музыка снискала славу и в родной Великобритании, и далеко за её пределами. В 1951 году получил статус Сэра.

Имя английского композитора сэра Уильяма Уолтона широко известно. Сын учителя пения, Уильям Уолтон с пяти лет пел в церковном хоре. С церковной школой связаны его первые музыкальные впечатления и самостоятельные опыты, отсюда он вынес (и сохранил на всю дальнейшую творческую жизнь) понимание возможностей человеческого голоса. В шестнадцать лет он стал бакалавром музыки и в Оксфорде, где жил и учился, пользовался консультациями и поддержкой Хью Аллена — замечательного педагога, чей диапазон интересов простирался от Шютца до Холста. В отличие от большинства своих старших соотечественников, Уолтон не поехал учиться в Германию, не в пример некоторым младшим — не отправился в Париж, не стал он и учеником крупнейших и популярных в то время в Англии педагогов — Чарлза Стэнфорда или Хуберта Пэрри. По-видимому, он не стремился к общению с выдающимися творческими индивидуальностями, опасаясь их чересчур сильного воздействия.

Не напиши этот композитор оперы на чеховский сюжет, вряд ли его творчество привлекло бы особое внимание в России. Но он её написал – яркую, искрящуюся юмором, одноактную комическую миниатюру по знаменитой шутке Антона Павловича. В своём творчестве Уолтон испытал влияние различных стилей, от Шёнберга до французской «Шестёрки», от Сибелиуса и Элгара до Прокофьева и Стравинского. Однако среди всего этого многоцветья музыки XX века он сумел найти свое место. Его творчество весьма разнообразно. Оно включает в себя симфонические и инструментальные опусы, хоровые произведения, балеты, музыку к драматическим спектаклям и кинофильмам. Особенно композитора интересовал исторический жанр. Среди фильмов с его участием такие, как «Гамлет», «Генрих V», «Ричард III». Также Уолтон – автор двух опер. Первая – «Троил и Крессида» – представляет собой масштабное полотно, созданное по мотивам античной мифологии и истории. Первоисточником трагической истории любви сына Приама троянского царевича Троила и Крессиды на фоне войны с греками стал средневековый рыцарский «Роман о Трое» Б. Де Сент Мора (12 век). Премьера оперы состоялась в 1954 году в Ковент-Гардене и имела большой успех. В ней участвовали такие знаменитые певцы, как Питер Пирс, Отакар Краус, Герайнт Эванс. В заглавных ролях блистали венгерское сопрано Магда Ласло и тенор Ричард Льюис. Безусловно, одним из самых удачных произведений Уолтона стала комическая опера «Медведь», созданная им по заказу фонда Сергея Кусевицкого. Премьера оперы, осуществленная «Английской оперой группой», прошла в 1967 году на традиционном музыкальном фестивале в Олдборо, основателем которого был Б.Бриттен. Главные партии (Смирнова и Поповой) пели Джон Шоу и Моника Синклер. Сценическая судьба «Медведя» оказалась счастливой. По опере снят фильм на BBC (в главных ролях Томас Хемзли и Регина Резник). Она ставится на сценах мира.

~~~

Не лежит у меня что-то душа к британцам. Ни Бриттен не мил, ни Уолтон. Послушал две симфонии (две первые) и несколько общеизвестных сочинений – сюита для фильма о Генрихе V, второй струнный квартет, партита 1957 года. И как-то никак. Если кто-нибудь из моих читателей любит Уолтона, подскажите, что интересного вы для себя выделяете в его творчестве. Может и я проникнусь.

Информации в сети на русском языке тоже что-то маловато.

Послушать:


36 место
Toru Takemitsu




Статистика:
Страна: Япония.
Время жизни: 1930 - 1996.
Жанры: Modern Classical, Film Score, Musique concrète, Tape Music.

Почитать:
Биография - ссылка
Рождение японского авангарда - ссылка
Символика воды в позднем творчестве Тор Такэмицу - ссылка
О диалектике национального и интернационального - ссылка
Между живописью и музыкой - ссылка
Музыкальные пейзажи Тору Такэмицу - ссылка
"Я слышу, как дремлет вода". Искусство Тору Такэмицу - ссылка

От МакЛыди:
Тору не распылялся. Его музыка описывает одно явление или событие, например, одиночество. Благодаря этой точности и простоте, слушателю гораздо проще уловить то, о чём хотел сказать композитор — понять, о чём эта музыка. Творчество Такэмицу обогатило японскую музыку технически и идейно. Благодаря этому у современных японских композиторов появилась возможность раскрыться и не бояться экспериментировать — Тору подготовил для них почву. Без Тору не было бы и Рюити Сакамото — одного из наиболее прогрессивных композиторов современности.

Уникальность Тору Такэмицу сложилась из многих составляющих: национальная идентичность японца и общемировые артистические пристрастия, включающие особую любовь к современной французской музыке (Дебюсси, Мессиан), нетиповое музыкальное образование (Такэмицу считал себя самоучкой), в основе которого лежали джаз и французский шансон, живой интерес к авангарду. Первые опыты композиции были связаны с киномузыкой, в которой композитор и далее работал все свои сорок творческих лет. Любовь к поэзии и живописи ХХ века также характерны для интересов Такемицу, а меланхолический темперамент и склонность к мистике наложили отпечаток почти на все его сочинения — недаром его прозвали Lento-композитор. Он не считал себя, подобно Мессиану или Саариахо, синестетиком, но имел такую же склонность черпать творческие идеи из живописи. Возможно, что к этому его подталкивала существующая в Японии культура созерцания прекрасного — природы, садов, произведений искусства. Недаром композитор нередко говорил о влиянии садового искусства на свою музыку и посвятил идее сада несколько произведений. Сад, особенно в Японии, — это визуальный стимул огромной значимости.

Показательно утверждение самого композитора: «Как японец я хочу развиваться с точки зрения традиций, а как западный человек – с точки зрения новаторства». Лейтмотивом рассуждений Такэмицу о творчестве можно считать следующие его слова: «Плодотворное взаимодействие старого и нового». Закономерно, что в этом плане, творчество данного японского композитора перекликается с художественными поисками его коллег и современников: Маюдзуми Тосиро, Исии Маки, Сибата Минао, Юаса Дзёдзи, Итиянаги Тоси, Хиросэ Рёхэй. Но вместе с тем, не случайно, именно Такэмицу западные (А. Витталь, В. Ла-аде, У Мольм,) и японские музыковеды (Акия-ма Кунихару, Ёсида Хидэкадзу, Исида Кадзуси) метафорически называют «мостом между Востоком и Западом». Так, отмечается, что «работая в стиле европейской авангардистской школы, Такэмицу в своих произведениях воссоздаёт духовный строй чувств и форму выражения, близкие японской эстетике прошлого». Западным и японским музыковедением единогласно подчёркивается и признаётся, что Такэмицу занимает особое, уникальное место в истории музыки ХХ века. Японский композитор, чуткий ко многим характерным чертам Западной музыки, с поразительной изобретательностью использовал эти черты, не теряя при этом собственную национальную индивидуальность, и смог создать свой интернационально значимый и, в то же время, национально определённый самобытный музыкальный стиль. Национально-самобытное проявлялось на уровне музыкального языка сочинений композитора. Такэмицу в своём творчестве не прибегал к методу «композиторского фольклоризма». Но с уверенностью можно сказать, что «фольклорный материал» – это наиболее важный семантический пласт в любом из его произведений, подаётся он в виде кратких фраз и попевок, растворяющихся в тематизме сочинений.

~~~

Тот случай, когда не хочется ограничивать себя беглым знакомством. Послушал два CD с избранными оркестровыми и пиано-сочинениями – и я уже почти фанат. Мне редко оказывается ментально близка азиатская музыка (вне зависимости от жанра и времени; я больше по африканцам), но Такэмицу – особенный случай. Музыка кристальной чистоты и необычайного эмоционального охвата. Каждое сочинение как мини-фильм со вступлением, основной частью, кульминацией и развязкой.

Уголок меломана:
Глеб Борис Бритва большой поклонник японской музыки.

ЖЖ просигнализировал, что запись слишком длинная, поэтому читаем по ссылке.

Послушать:

Tags: Погружение
Subscribe

  • МузХроника. Август 2021

    Сборник номер 20 – ссылка. Шедевры ( 9,5 – 10,0): нет таких. Отлично ( 8,0 – 9,0): Big Red Machine - How Long Do You Think It's Gonna Last?…

  • МузХроника. Июль 2021

    Сборник номер 19 – ссылка. Шедевры ( 9,5 – 10,0): нет таких. Отлично ( 8,0 – 9,0): Billie Eilish - Happier Than Ever (R&B, Alt-Pop) Durand…

  • МузХроника. Июнь 2021

    Сборник номер 18 – ссылка. Шедевры ( 9,5 – 10,0): нет таких. Отлично ( 8,0 – 9,0): нет таких. Хорошо ( 6,5 –…

  • Post a new comment

    Error

    Anonymous comments are disabled in this journal

    default userpic

    Your IP address will be recorded 

  • 0 comments