alex_mclydy (alex_mclydy) wrote,
alex_mclydy
alex_mclydy

Category:

Погружение. XX век. Композиторы-академисты. 45-41



45 место
Karol Szymanowski




Статистика:
Страна: Польша.
Время жизни: 1882 - 1937.
Жанры: Modern Classical, Orchestral.

Почитать:
Биография - ссылка
Большая российская энциклопедия - ссылка
Первый после Шопена - ссылка
Выдающийся польский композитор - ссылка
Балет «Харнаси» Кароля Шимановского как воплощение гуральского мифа - ссылка
Интерпретация мифа в творчестве Кароля Шимановского: от модерна к неофольклору - ссылка
«Мифы» К. Шимановского: к вопросу о композиционно-драматургическом решении цикла поэм для скрипки и фортепиано - ссылка
Поздний период творчества Шимановского и судьба романтической эстетики в ХХ веке - ссылка

От МакЛыди:
Кароль Шимановский был отмечен следующими наградами: Офицерским крестом Ордена возрождения Польши, Офицерским орденом Итальянской короны, Командорским орденом Итальянской короны, почётным знаком Национальной академии Св. Цецилии, Командорским крестом Ордена возрождения Польши, Золотым академическим лавром Польской академии литературы. Кроме того, получил звание почётного доктора Ягеллонского университета и почётного члена Чешской академии науки и искусств, Латвийской музыкальной консерватории в Риге, Королевской академии св. Цецилии в Риме, Королевской музыкальной академии в Белграде, Международного общества современной музыки. В 1935 году награжден Государственной музыкальной премией.

Шимановский сочетает воздействие гармонией с активной ролью мелодии, придавая своему «импрессионизму» индивидуальные черты, выделяющие его на фоне творчества других европейских авторов, связанных с этим направлением. Все эти черты музыкального языка Шимановского отчётливо проявляются в «Короля Рогере» и вместе с тематикой либретто определяют его необычайную оригинальность. Здесь имеются как элементы музыкальной драмы в виде лейтмотивов, так и элементы оперы, например, закрытые сцены, сдерживающие развитие действия, но при этом всегда крепко с ними связанные, а также отголоски греческой трагедии с ее хорами, находящимися за пределами драматургического действия. Таким образом, Шимановский создал вид театрально-музыкального спектакля, ярко выделявшегося своей оригинальностью на фоне тогдашнего европейского искусства. В творчестве Шимановского много таких оригинальных произведений. Вся его музыка отличается неповторимой красотой, которая может быть привлекательна для современных меломанов.

Идея возрождения национального стиля на почве нетронутого цивилизацией гуральского искусства стала великолепным импульсом для Шимановского. Она привела к расширению творческих поисков, изучению нового музыкального материала. Гуральский фольклор Шимановский оценивал со своих эстетических позиций создания современной национальной польской музыки, «стоящей на самом высоком уровне европейской культуры» и общечеловеческой по своему значению. Он считал фольклор «величиной постоянной и неизменной, сверхисторическим и самым непосредственным выражением духовных свойств нации». Шимановский, соединив в своем балете «Харнаси» архаичный фольклор Подгалья и современные принципы музыкального мышления, поднял народную гуральскую музыку на мировой уровень. Обратившись к подгальской культуре, он создал произведение, занявшее место в одном ряду с сочинениями Стравинского, Бартока и других композиторов, заложивших основы неофольклорного направления в европейской музыке XX века. Балет «Харнаси» стал для польской музыки эталоном воплощения гуральской культуры. Он был написан с целью пропаганды польского искусства за рубежом, и потому его репрезентативное назначение выразилось в наиболее полном выражении гуральских традиций не только в музыке, но и в сюжете, хореографии и сценографии. Поэтому «Харнаси» выделяется среди произведений последнего периода не только благодаря своему жанру балета-пантомимы, но прежде всего по реализованным в нём методам использования фольклора – цитированию и стилизации. И если кантата основана на традициях похоронного обряда, то балет воплощает символику жизни, наиболее ярко проявленную в свадебном обряде. Ритуал гуральской свадьбы, выраженный в народных легендах, Шимановский смог воплотить современными и совершенными композиторскими средствами, подняв польское искусство на уровень мирового признания. Таким образом, фольклорные сочинения Шимановского выразили не только художественные тенденции своего времени, но и убедительно воплотили национальное самосознание, проявленное в форме обрядов и легенд.

Среди композиторов первой половины XX века Кароль Шимановский является одной из наиболее сложных и одновременно странных фигур. Было бы преувеличением назвать его в ряду самых ярких явлений современной музыкальной культуры, какими стало творчество Шёнберга, Бартока, Стравинского. Но музыкальный облик века включает в себя творчество Шимановского как одного из тончайших лириков своего времени, внёсшего в искусство интонацию не столь громкую и смелую, но очень пронзительную и самобытную. На протяжении всего композиторского пути Шимановский с легкостью впитывал самые разнообразные явления. Претворение традиций Шопена и Скрябина соседствовало с увлечением искусством Регера и Р. Штрауса (первый период), затем культурой античности, итальянского Ренессанса, Древнего Востока, Равеля и Дебюсси (второй период), позже музыкой Стравинского, фольклором польских Татр (третий период). Но всегда композитор находил лирический ключ, которым он открывал для себя культуру прошлого и настоящего. Такой ключ он подобрал и к архаическому гуральскому фольклору, казалось бы, столь непредвиденно вошедшему в его творчество последнего периода. Неустанные поиски идеала, который видел Шимановский прежде всего в Красоте, явились причиной его принципиального отказа от фольклора как бытовой категории в первом и втором творческих периодах. Но в третьем периоде формой возвышенного, источником поэтизации и одновременно мерой лиризма становится для него по-новому услышанный архаический фольклор как явление вневременное, устоявшееся, объективизированное и — следовательно — идеальное.

~~~

Невероятным образом Шимановский был популярен в СССР. 1982 год был объявлен ЮНЕСКО годом Шимановского (100 лет со дня рождения), а в 1984 под это дело советские журналисты и музыкальные исследователи выпустили книгу. Не какой-то там набор историй, а мощный талмуд на 297 страниц. Я пока посмотрел лишь содержание: вступительная часть, рассказ о жизни (в пяти главах), 10 огромных аналитических статей и перечень со всеми произведениями композитора. Я немного в шоке от такой находки. Ладно общепризнанные мастера XVIII-XIX века, но чтоб о личности из XX так писали… Только восхищение испытываю. Жизнь надо прожить так, чтобы после смерти о тебе писали книги в другой стране.

Музыка Шимановского показалась мне очень лёгкой и в меру страстной. Я слушал и не замечал, как в плеере балет сменялся симфонией, симфония – мазуркой, мазурка – пиано-вариациями, вариации – концертом. По понятным причинам в большинстве статей о композиторе есть отсылки к Шопену, но пока на слух я их пока не обнаружил. Шопен был куда более лиричным, тонким. Хотя по нескольким часам музыки Шимановского делать выводы не имею права.

Послушать:


44 место
Kurt Weill




Статистика:
Страна: Германия.
Время жизни: 1900 - 1950.
Жанры: Modern Classical, Opera, Cabaret, Operetta, Show Tunes, Symphony.

Почитать:
Биография - ссылка
120 лет со дня рождения - ссылка
Гений с Бродвея - ссылка
Опера нищего - ссылка
Опера-балет «Семь смертных грехов» - ссылка
Мэкки-Нож и «Атиква» - ссылка
Лирика эпического театра - ссылка
Вещий зонг - ссылка
Музыка периода холокоста - ссылка

От МакЛыди:
Творчество Вайля занимает особое место в музыкальной культуре XX века. Некоторые мелодии Вайля, из которых наиболее популярна «Баллада о Мэкки-Ноже» из «Трёхгрошовой оперы», стали джазовыми стандартами. Вайль — один из немногих композиторов, сумевших создать настоящий мост между «серьёзной» и «лёгкой» музыкой. Он оказал большое влияние на академических композиторов (К. Орфа, Б. Бриттена), на всю европейскую и американскую песенную культуры, а также стал предтечей музыкальной полистилистики, развитой в 1970-е-1990-е гг. А. Шнитке.

Вайль родился и вырос в Дессау. Он был сыном главного кантора местной синагоги. В 13 лет мальчик написал свое первое произведение – еврейскую свадебную песню, а в 18 переехал в Берлин. Он учился у лучших музыкальных педагогов и композиторов своего времени. В 1922 году Вайль примкнул к "Ноябрьской группе" (Novembergrupре) – ассоциации деятелей искусства с левыми взглядами. Участники группы рассуждали о единении художника и рабочего, о связи искусства и жизни. Поначалу Вайль занимался только классической музыкой, но постепенно начал включать в свои произведения элементы джаза и фольклора.

Курт Вайль известен сегодня не столько сионистской деятельностью в американском изгнании, сколько созданными вместе с Бертольдом Брехтом такими произведениями конца 20-х годов, как «Трёхгрошовая Опера» или «Расцвет и падение города Махагони». Они стали частью музыкального ландшафта Веймарской республики и принесли Вайлю мировую славу. Отдельные песни-зонги из них, пожалуй, относятся к числу самых популярных мелодий всех времён, особенно «Баллада о Мэкки-Мессере», разошедшаяся в бесчисленных интерпретациях и кавер-версиях — от Луи Армстронга до Хайно и Rammstein. «Ждет расправы Шмуэль Мейер / И другие богачи» — список «мокрых дел» Мэкки-Мессера (Мэкки-ножа) начинается с «еврея-богатея». Этот широко распространённый антисемитский стереотип был включён Брехтом и Вайлем в песню как сам собой разумеющийся. Подобно большинству немецко-еврейских художников того времени, Вайль строго отделял свою еврейскую идентичность от публичной творческой деятельности. Но при этом в юности он был прочно связан с еврейской традицией.

После прихода к власти национал-социалистов Курт Вайль эмигрировал во Францию. В Париже он сочинил для труппы Джорджа Баланчина балет с вокальными партиями "Семь смертных грехов". Автором либретто был Брехт. Увы, это произведение стало их последним крупным проектом. Они и до этого расходились во взглядах на творчество и часто не могли договориться, кто же тут для кого пишет: Вайль для Брехта или все-таки Брехт для Вайля. Композитора раздражала радикальность драматурга. "Я не собираюсь перекладывать на музыку "Капитал" Маркса", – говорил Вайль. В 1935 году он переехал в Нью-Йорк и начал работать на Бродвее. Когда уже после окончания Второй мировой многие представители немецкой интеллигенции стали возвращаться домой, Вайль уезжать из Америки отказался. Вполне возможно, он знал, что произошло за эти годы в его родном Дессау. Синагога, в которой служил его отец, была сожжена, сам город лежал в руинах. Немецкий язык Вайль объявил "языком преступников" и перешёл на английский даже в повседневном общении с женой-австрийкой.

Бродвейский период его творчества до сих пор вызывает в профессиональной среде ожесточенные споры. Европейские исследователи считают, что пик карьеры Вайля – это довоенные зонг-оперы. Философ и музыковед Теодор Адорно заявлял, что после эмиграции Курт Вайль "продался американскому театру" и променял свой уникальный дар на симпатии массовой публики. Однако в США композитора почитают как реформатора традиционного мюзикла. Он привнёс в него ту же живую уличную стихию, тот же гротеск, которыми отличалась "Трёхгрошовая опера". В соавторах у Вайля были лучшие драматурги страны, от Максвелла Андерсона до Айры Гершвина и Пулитцеровского лауреата Пола Грина. За 15 лет работы он написал 10 мюзиклов, многие из них продолжают ставиться и в наше время. На претензии снобов Вайль спокойно отвечал: "Я никогда не видел разницы между "серьезной" и "легкой" музыкой. Музыка бывает либо хорошая, либо плохая".

~~~

Когда я собирал материал для прошлого выпуска с академистами, в чьём-то интервью читал такие слова: “В двадцатых музыка начала умирать, а потом пришёл Курт Вайль”. Конечно, если постараться, такое высказывание можно найти про почти каждого известного композитора, но тут я насторожился: вся остальная беседа была выполнена в строгом стиле и никак не предполагала к шуткам и лирическим отступлениям. Что ж, думаю, такого сделал Вайль, что его ассоциируют со спасителями искусства. Оказалось, он был первым, кто показал человечеству, что популярная музыка не так плоха, как её представляют. Все же читали первые высказывания о джазе, когда он только появился? От Максима Горького тираду, например. Никто не мог представить, что эта музыка станет хорошей альтернативой гениям прошлого, а она не просто стала, а начала новый отсчёт в музыкальной истории. Вайль стал своим и в мире академистов, и в джазе. Только о том, что он написал несколько восхитительных джазовых опер, помнят все, а вот об обширной коллекции инструментальных сочинений единицы. Я послушал сюиту, две симфонии и компиляцию, на которой современные и не очень артисты перепевают главные песни Вайля (сам факт наличия такого сборника впечатляет). Всё понравилось.

Послушать:


43 место
La Monte Young




Статистика:
Страна: США.
Время жизни: 1935 - н.в.
Жанры: Minimalism, Drone, Microtonal, Noise.

Почитать:
Биография - ссылка
Посвящение - ссылка
Рождение ивента из духа антимузыки - ссылка
Американский музыкальный минимализм в диалоге с традицией индийской раги - ссылка
Минимализм Западного побережья - ссылка

От МакЛыди:
В 60-е гг. Янг занимался изучением свойств расширенной тональности и разработкой специфической концепции времени, в основе которой лежала идея освобождения от внешнего времени, создания при минимуме композиционных приёмов своеобразной воронки, через которую происходит проникновение в изолированное безграничное временное пространство. Развитие этой идеи и стало главной задачей его музыкального коллектива Theatre of Eternal Music (также известным как Dream Syndicate), среди участников которого были Терри Райли, Тони Конрад, Джон Кейл и другие. Ла Монте Янг устраивал в собственном лофте нескончаемые концерты. Музыканты его проекта во главе с самим Янгом и его женой Мэриан Зазила часами тянули одну и ту же ноту. Затея пользовалась успехом. Джон Кейл играл там на альте, а позже утверждал, что именно он и придумал концепцию «вечной музыки», без начала и конца (то же самое говорили о себе и Янг, и Тони Конрад).

Исследователи считают его предшественником и вдохновителем очень многих музыкальных явлений прошлого века. Во-первых, он внёс свою лепту в становление минимализма, во-вторых, повлиял на развитие интереса к музыке неевропейских традиций, в-третьих – изменил облик электронной музыки. Ла Монте Янга считают своим духовным отцом очень многие представители прогрессивной рок-музыки – от ранних Velvet Underground, которые даже указывали имя композитора на своих ранних альбомах – до Sonic Youth и Einsturzende Neubauten, заимствовавших у него концепцию «дронов», своеобразных шумовых пластов-кластеров. Записанные на пластинки пьесы Ла Монте Янга, вероятно, не дают целостного впечатления о его творчестве. Некоторые его сочинения вообще представляют собой один единственный назойливый звук, способный привести слушателя в состояние гипнотического транса. Иногда кажется, что у них нет ни начала, ни конца. К работам Ла Монте Янга можно относиться по-разному, однако сегодня очевидно одно: не будь их, современная музыка наверняка пошла бы совсем иным путем.

В пятидесятые агрессивное физическое измерение появляется и в ивентах Янга: в использовании длительных громких тонов, которые позволили бы слушателям, по словам автора, «проникнуть внутрь звука», чтобы развить интуитивное отношение к нему посредством выхода за границы времени. Целью погружения в «постоянный звук» было «производство изменённого состояния через сужение внимания и усталость чувств», вовлечение слушателя в творчество через структурирование чувств. Аналогично работе Кейджа с танцевальными группами, Янг вместе с композитором Терри Дженнингсом работали в качестве музыкантов с танцовщиками Хэлприн в 1959-1960-м годах. В это время Янг начал создавать пьесы в стилистике «Стихотворения для стульев, столов и скамей или других источников звука» (январь 1960 года), которые состояли из неправильных, резких, визжащих шумов, создаваемых при перетаскивании тяжёлых предметов мебели по полу. В его «Лекции 1960» Янг рассказывал, что, «когда звуки очень длинны, как многие из тех, которые мы сделали с Анной Хэлприн, легче проникнуть в них... Я начал видеть, как каждый звук становился самостоятельным миром, и что этот мир был подобен нашему миру, который мы испытывали через свои тела». К 1962 году Янг обратился к систематическому исследованию музыки с минимально различимыми тонами, играемыми в экстремальной громкости с увеличенной длительностью. Янг начал свою работу с Хэлприн после возвращения с дармштадтской летней сессии 1959 года, где он участвовал в семинаре Штокхаузена и имел длительный опыт слушания алеаторических работ Кейджа, в том числе благодаря пианисту Дэвиду Тюдору, который впоследствии исполнял и композиции Янга.

Сам процесс исполнения бесконечных медитативных пьес, в своей кажущейся неподвижности напоминающих рагу, подчас перерастал в мистическое, ритуальное священнодействие, а Янг «с длинными седыми волосами, заплетённой бородой, в просторной одежде даже выглядел как гуру». Своё отношение к сочинению и исполнению композитор пояснял следующим образом: «Случилось так, что, пытаясь действительно настроиться на высокую волну вдохновения, я запретил моему разуму участвовать в творческом процессе. В результате я вышел за пределы заранее установленных рамок, и музыка начала струиться через меня, затопляя все возможные границы, воздвигнутые ранее. Я молился перед началом каждого концерта, чтобы быть достаточно чистым и сильным, суметь ясно расслышать источник вдохновения и позволить ему раскрыться во мне. Конечно, многие фрагменты музыкального материала готовились заранее, как часть общего целого. Но во время лучших концертов я играл то, о чём до этого не мог и подозревать».

~~~

Вопросы есть? Вопросов нет. Все знают о величии Янга и его влиянии на электронную (и не только) музыку, но мало кто слушал его произведения. Я вот осилил два CD по два часа (третий уже не смог), плюс, пока это собирал, послушал ещё 44-минутную рагу. Такую музыку нужно слушать очень дозированно. Аудионаркотики как они есть. Вам прикреплю ту самую “пьесу для мебели”. В ворохе аудиоэкспериментов, вгоняющих в транс, она показалась мне довольно разнообразной по звучанию. Конечно, в ней нет никакой основы, но минималистичные сценарии, разворачивающиеся внутри, заставляют думать. Как это записывалось и какой смысл вкладывался.

Послушать:


42 место
Harry Partch




Статистика:
Страна: США.
Время жизни: 1901 - 1974.
Жанры: Microtonal, Modern Classical, Poetry, Avant-Folk.

Почитать:
Биография - ссылка
Большая российская энциклопедия - ссылка
Микрохроматика с человеческим лицом - ссылка
Список инструментов Гарри Парча - ссылка
Добавление - ссылка
Инновации ХХ века и импровизация - ссылка
Калифорнийский авангард - ссылка
Композитор, начавший с нуля - ссылка
Рецензия на The Music Of Harry Partch - ссылка

От МакЛыди:
Парч не создал школы. И вообще, он отрицал необходимость какой-либо школы, потому что считал, что каждый композитор должен развиваться своим путём. Человек, который взял на себя смелость отринуть весь западноевропейский музыкальный опыт. Парч абсолютно искренне считал, что вся западноевропейская музыка основана на совершенно искусственных принципах, которые провозглашают огрубение слуха, зиждутся на абсолютно неправильной концепции. Парч издевался над равномерной темперацией, которую И.С. Бах со своими коллегами разработал в начале XVIII века. Он выработал свою уникальную микротональную концепцию, совершенно непохожую ни на какую другую. В 1920-х в возрасте 22 лет он прочитал работу физика Гельмгольца об основах акустики. Под влиянием этой работы начал создавать свою систему, которой последовательно придерживался вплоть до конца своих дней. Он умер в 1974 году, прожив 73 года. Вообще жизнь Гарри Парча — совершенно особый предмет для разговора. Начав писать музыку, он сразу получил огромное количество недругов и небольшой кружок поклонников. Парч создавал свою музыку в неудачное время: наступила великая депрессия. По собственному выбору он стал вести бродячий образ жизни, проехав на поездах все Соединенные Штаты, работая сезонным рабочим, подрабатывая на стирке белья, лесопилке и т.д. При этом он документировал всё, что видел по дороге, записывал собственные идеи, и, несмотря на его почти пятнадцатилетнее молчание как композитора, Парч впоследствии говорил, что это дало ему огромное количество импульсов для новых идей.

О глубочайшем кризисе в музыке говорило огромное количество композиторов того времени. Цитата из Гарри Парча, человека, который создал совершенно безумную на слух неискушенного слушателя систему, под названием Just Intonation: «Творцы от музыки были и остаются жертвами системы, философии и оценок, предписанных им учебниками и школярскими курсами, и атмосферы, в которых они произрастают. В результате история всей западной музыки вращается исключительно вокруг одной системы, одной философии и комплекса оценок. Подобная ситуация является ничем иным, как опасным симптомом вероятного распада». Вот эти слова, на мой взгляд, очень показательны для атмосферы, царившей в композиторской среде в 1910 — 20-е, когда пришло чёткое понимание того, что должно быть что-то новое.

Парч разработал систему, согласно которой октава делилась не на 12 звуков, как в традиции равномерной темперации, которой пользовались додекафонисты, не на 24 звука, как в системе, которой пользовались композиторы, работавшие в четвертитоновой технике, а на 43. Почему? Этому Парч дал абсолютно обоснованное физическое объяснение. Обертоновый ряд строится по следующей схеме: основной тон, октава, большая терция, малая терция, большая секунда, малая секунда. На совокупности семи обертонов строится то, что мы называем натуральным звукорядом. На этом зиждется практически вся западноевропейская народная музыка. Такой звукоряд использовался в западноевропейской музыке до XVIII века. Когда встала необходимость создавать хроматический инструмент, на котором можно было бы играть от любой ноты любые гармонические последовательности, оказалось, что музыканты вынуждены подравнивать некоторые интервалы, чтобы трезвучия, отстоящие от тоники на определенный интервал, звучали без искажений. Это то, против чего Гарри Парч восставал: исказили всю систему натурального мышления. При этом, говорил Парч, есть же обертона выше седьмого, которые совершенно выброшены из обихода западноевропейской музыки. И поэтому, если строить обертоновый ряд — должен быть интервал меньше полутона. Парч вычислил этот интервал и использовал именно его. Более того, самое впечатляющее: безо всяких тюнеров и компьютеров он этот интервал услышал и с помощью него разделил октаву на 43 тона — настолько мелким оказался интервал.

Огромное количество инструментов Парч создал собственными руками. Помимо этого у Парча было огромное количество идей. Он стремился к тому, чтобы передать человеческую разговорную речь. Мы же не говорим так, как поют оперные певцы. Это совершенно искусственно. Поэтому необходимо сделать так, чтобы музыка была приближена к человеческой речи. Сейчас есть несколько ансамблей, которые используют парчевский инструментарий и исполняют его музыку. Самое поразительное то, что Парч своими руками не просто создал эти инструменты, он их настраивал. Все инструменты сделаны в соответствии с его системой. Некоторые инструменты — свободной настройки. Очень много было ударных. Вообще вся система Парча получила название Just Intonation («только интонация»). Концепция господства натуральных интервалов, которые слышны человеческому уху, вопреки утверждениям консерваторов, и приближения пения к человеческой речи, а самой музыки — к мистерии, в которой нет различия между слушателями и исполнителями.

Гарри Парч – одинокий композитор-самоучка, существующий далеко в стороне от магистрального пути и музыкального мейнстрима, и музыкального авангарда. Основа жизненного опыта — железнодорожное бродяжничество времён Великой депрессии. Изобретатель собственной системы настройки, имеющей шкалу из 43 звуков. Грубый и язвительный, непросыхающий алкаш, в глуши калифорнийской пустыни сочиняющий музыку для самодельных инструментов, которые он мастерил из ёмкостей для горючего, пустых канистр, использованных артиллеристских снарядов, разнокалиберных бутылок и разбитых клавиатур.

~~~

Музыка и творения Гарри Патча не имеют аналогов в мире. Чтобы по достоинству оценить его изобретательность и резкие звуки инструментов, нужно отойти от традиционных представлений. Это не The Rolling Stones, но так и было задумано.

Оказывается, бывает и такое – когда композитору тесно и в мейнстриме, и в авангарде, он просто берёт и создаёт свою музыкальную систему, которую не с чем сравнить, а потом своими руками изготавливает кучу музыкальных инструментов, чтобы играть новообразованную музыку. Сумасшедший, просто сумасшедший мужик был. Я послушал два CD с избранными сочинениями. То, что я услышал, оказалось больше похоже на настройку инструментов, чем на гармоническую структуру или нойз. Только вот инструменты-то… нетрадиционные. Едва ли в наше время найдётся человек, кто скажет, что на сто процентов понимает Парча.

Послушать:


41 место
Bohuslav Martinů




Статистика:
Страна: Чехия.
Время жизни: 1890 - 1959.
Жанры: Western Classical Music, Modern Classical, Chamber Music.

Почитать:
Биография - ссылка
Композитор с непростой судьбой - ссылка
Искусство — это всегда личность, которая в одном человеке объединяет идеалы всех людей - ссылка
Позабывшийся прогульщик - ссылка
Симфонии (читать комментарии) - ссылка
Симфония №2 - ссылка
Хореографическая версия И. Килиана «Полевой мессы» Б. Мартину в контексте балетного наследия композитора - ссылка
Как кантата Богуслава Мартину возродила народный обычай - ссылка
К изучению зарубежной музыкальной культуры - ссылка
Два юбилея Богуслава Мартину - ссылка

От МакЛыди:
Богуслав Мартину – композитор с непростой судьбой. Большая часть его жизни прошла вдали от родной Чехии – он жил то во Франции, то в США, то в Италии, то в Швейцарии, но при этом никогда не считал себя эмигрантом. Любовь к родине была для него священна, жизнь за границей лишь обостряла её, а в своих музыкальных произведениях он всегда оставлялся чехом, принимая близко к сердцу все события, происходившие в Чехии, все страдания своего народа. Но, в отличие от многих современников, он стремился не столько к отображению мрачных сторон жизни в резких диссонансах, сколько к красоте и гармонии (за это бельгийский музыковед Поль Коллар называл его «Сен-Сансом современной музыки»).

В последние годы имя чешского композитора Б. Мартину всё чаще упоминается в ряду крупнейших мастеров XX в. Мартину — композитор-лирик, тонко и поэтично воспринимающий мир, эрудированный музыкант, щедро одаренный фантазией. Его музыке свойственны и сочная колористичность народно-жанровых образов, и трагедийный драматизм, рождённый событиями военного времени, и глубина лирико-философского высказывания, воплотившего его размышления о «проблемах дружбы, любви и смерти». Творчеству Мартину свойственна широта образного, жанрового и стилистического диапазона, в нём сочетаются импровизационная свобода мышления и рационализм, освоение самых смелых новаций своего времени и творческое переосмысление традиций, гражданственный пафос и сокровенно тёплый лирический тон. Художник-гуманист, Мартину видел свою миссию в служении идеалам человечества.

Его четыре сотни сочинений хорошо описываются Élan vital Бергсона – неостановимый, захвативший с детства и до конца жизни порыв писать музыку. Для неё он не породил никакой теории. От десятилетия к десятилетию с Мартину лишь что-то случалось, самые разные веяния вдруг кристаллизовались. Вдруг его музыка менялась. Она прошла через все крупные увлечения французской музыки первой половины ХХ века, джаз, импрессионизм или неоклассицизм, оставив без внимания и интереса откровенно радикальные методы, хотя бы додекафонию; живя в Нью-Йорке, он прошёл мимо экспериментов «мавериков». Что не значит, что он жил в изоляции и ничем не интересовался.

Балетные партитуры, которых у Мартину более десятка, красноречиво свидетельствуют о расположенности композитора к работе в хореографическом жанре, его вовлечённости в театрально-сценический процесс, а также о стремлении всякий раз искать новое решение для воплощения художественного замысла. Стилевое «многоголосие» музыки Мартину, пластика ритмов и обилие ее интонационных источников, сквозь которые всегда пробивается специфическая моравская песенность, сообщают его произведениям особую хореографическую энергию, динамизм пластического интонирования, и потому обращение постановщиков к нетанцевальным опусам чешского музыканта закономерно. Хореографов привлекала, прежде всего, инструментальная музыка Мартину.

«Всю жизнь меня сопровождал словно какой-то упрёк... за французское влияние на мое творчество... Каждое такое утверждение служит для меня самым большим доказательством недоразумения и непонимания, а частично — и нежелания понять... Я инстинктивно уже в молодости чувствовал, что нам навязывается много взглядов, которые не находят и не могут найти отклика в душе, нашего народа, в нашем национальном чешском... Я видел, что наше естественное самовыражение, национальный характер склонны скорее к конкретному, здоровому мировосприятию, чем к загадочно-запутанным метафизическим системам, которые в нас вдалбливались...»

~~~

После невероятных экспериментов из прошлого выпуска с академистами окунуться в мир Мартину (а именно с него я начал знакомиться с новой пятёркой) было словно слушать Pink Floyd после Marilyn Manson. Быть может, чех действительно не написал одного по-настоящему значимого, легендарного произведения, по которому бы его запомнили не только поклонники классики, но в совокупности он создал столько, что будут анализировать ещё многие поколения после нас. Я был поражён, когда читал о разнообразии тематик в его оперных и балетных либретто, а также о 6 симфониях, первую из которых он написал лишь в 52 года. Композитор умел и пошутить, и погрустить, и ужаснуться современным реалиям. Но больше всего восхищает то, что он писал ричеркары и мадригалы, в которых находил успокоение для своей души. Кто не в курсе – эти жанры устарели века эдак за четыре до того, как Богуслав родился. Сам я послушал коллекцию сочинений для пианино (токкаты, этюды, польки и одна соната), а также несколько концертов для виолончели с оркестром. Думаю, к музыке Мартину в будущем вернусь ещё не раз.

Послушать:

Tags: Погружение
Subscribe

  • Обзор №85

    Финалим. В этом обзоре сплошь великолепные фильмы. Все они достойны просмотра любым человеком планеты Земля, достигшим соответствующего фильму…

  • Обзор №84

    Предпоследний в этом году обзор. Попутчики (Forever Lulu, 2000) - 7/10 Фильм впечатлил меня настолько, что я чуть не сел писать…

  • Обзор №83

    Добрались-таки до хороших фильмов. С ними будет два обзора, а под конец – отличные. Водная жизнь (The Life Aquatic with Steve Zissou,…

  • Post a new comment

    Error

    Anonymous comments are disabled in this journal

    default userpic

    Your IP address will be recorded 

  • 9 comments